Xuân Hè mới: khi ready-to-wear trở thành sân khấu ý tưởng
Khái niệm Xuân Hè trong thời trang ready-to-wear ngày nay không chỉ là vài xu hướng màu sắc hay phom dáng, mà là toàn bộ hệ sinh thái ý tưởng nơi nhà thiết kế dùng sàn diễn như một sân khấu kể chuyện, thử nghiệm bản sắc cá nhân và đối thoại với văn hoá đại chúng, từ điện ảnh, nhiếp ảnh đến đời sống thường nhật của người mặc. Mùa Xuân Hè đang chuyển mình rõ rệt: runway collection không còn trung lập, mà mang thái độ rất cụ thể. Yaku, Huishan Zhang, Bianca Saunders, Gabe Gordon và Francesco Murano là năm cái tên cho thấy thời trang đang bước vào giai đoạn "tập trung hoá" tầm nhìn, nhưng đồng thời mở rộng phạm vi cảm hứng. Họ không chạy theo xu hướng thời trang; họ tạo ra những lằn ranh mới để người xem phải tự hỏi mình đứng ở phía nào.
Yaku: ám ảnh kể chuyện và cuộc rời bỏ thế giới game
Yaku Stepleton dùng ám ảnh kể chuyện như một kim chỉ nam để định hình thương hiệu, và chính điều đó khiến người xem dễ nhìn thấy sự tiến hoá của nhãn hiệu qua từng mùa. Bước ra khỏi 180 Strand, không gian NewGEN của BFC nơi buổi trình diễn diễn ra hôm nay, cảm giác chủ đạo là tầm nhìn của Yaku đang trở nên tập trung và dễ đọc hơn. Mùa này, Yaku gần như chủ động rời bỏ thế giới gaming từng chi phối các mùa trước để đào sâu một ngôn ngữ trực quan mới, bớt ồn ào nhưng nhiều lớp nghĩa hơn. Trên sàn diễn, sự thay đổi đó hiện lên qua phom dáng gọn ghẽ, cách phối màu có kỷ luật và những chi tiết kể chuyện tinh tế hơn thay vì hiệu ứng thị giác lấn át người mặc. Quan điểm rõ ràng: ready-to-wear phải sống được ngoài runway, nhưng vẫn mang đủ chiều sâu để người khác nhìn vào là nhận ra ngay DNA của Yaku.
Huishan Zhang và Bianca Saunders: nữ tính, cơ thể và quyền kể chuyện mới
Huishan Zhang bước vào mùa Xuân Hè với năng lượng quen thuộc: anh “không bao giờ thiếu cảm hứng” và gọi mình là người “đam mê nên mọi thứ đến rất tự nhiên”. Anh luôn được vây quanh bởi phụ nữ – khách hàng và các nữ anh hùng trên màn ảnh, và mùa này là nhà văn Eileen Chang cùng nhiếp ảnh gia Deborah Turbeville, những nguồn hình ảnh giúp anh nạp điện cho mắt nhìn của mình. "Chúng tôi liên tục được truyền cảm hứng từ phụ nữ, ở khắp nơi trên thế giới", anh nói. Hướng đi thiết kế và tuyển chọn người mẫu vì thế xoay quanh việc tôn vinh những dạng nữ tính khác nhau, từ trí tuệ đến cảm xúc, thay vì chỉ là thân hình trên sàn diễn. Ở phía đối diện, Bianca Saunders – người thắng giải thiết kế của BFC/ Vogue năm nay nhờ đề án bộ sưu tập nữ đầu tiên của mình – tiếp cận cơ thể qua nghiên cứu ngôn ngữ hình thể. Từ 2017, khi còn làm menswear tại Royal College of Art, cô đã bắt đầu bằng việc quan sát bạn bè, cách họ dùng cơ thể và vùng thoải mái của họ. Mùa này, những phom dáng nữ của cô tiếp tục mang tinh thần đó: trang phục như ghi chép sống động về cách cơ thể muốn di chuyển, không ép buộc, không diễn cho camera.
Gabe Gordon: từ horror và búp bê đến vẻ đẹp tự do trên sàn
Gabe Gordon quyết định làm mọi thứ khác đi mùa này: sau vài năm cộng tác với người chồng Timothy Gibbons, họ tạm nghỉ sáng tạo cùng nhau để Gordon tự do thử nghiệm. Anh cũng tạm gác thói quen xây dựng bộ sưu tập quanh một câu chuyện duy nhất và chuyển sang cách tiếp cận tự do hơn, "xem nó sẽ đưa mình đi đâu". Dù vậy, những chủ đề quen thuộc vẫn âm thầm trồi lên – sự quan tâm tới phim kinh dị và hình tượng búp bê. Kết quả là một bộ sưu tập vừa mang tính điện ảnh vừa giàu chất trang trí, nơi yếu tố làm đẹp – từ kiểu tóc, make-up đến nhịp chuyển động của người mẫu – đều ăn khớp với không khí hơi rờn rợn mà vẫn cuốn hút. Ý kiến cá nhân: Gordon cho thấy runway collection hoàn toàn có thể ôm lấy những hình ảnh "không an toàn" như horror, nhưng biến chúng thành ngôn ngữ thẩm mỹ chạm tới ký ức tuổi thơ, thay vì gây sốc rẻ tiền.
Francesco Murano: Metropolis, Éidola và song trùng đức hạnh – quyến rũ
Francesco Murano chọn Metropolis làm điểm xuất phát – một lựa chọn đúng thời điểm khi tầm nhìn năm 1927 của Fritz Lang được đặt bối cảnh ở năm 2026. Từ hai nhân vật Maria của phim, người phụ nữ đức hạnh và bản sao robot quyến rũ, anh dựng nên trung tâm của bộ sưu tập: một lưỡng phân không bao giờ được giải quyết. Câu trả lời của anh là Éidola – từ tiếng Hy Lạp cổ cho “hình ảnh” – một bộ sưu tập nhất quyết không chọn phe, mà để cả hai cùng tồn tại trong thân thể người mặc. Điều thú vị hơn lại nằm ở cách Murano dùng chất liệu, cấu trúc để cho thấy hình ảnh không bao giờ ổn định. Trang phục có thể trông đoan trang ở dáng đứng thẳng, nhưng khi chuyển động, chi tiết cắt xẻ và độ bóng bề mặt lại bật lên sự quyến rũ gần như cơ khí. Đây là câu trả lời sắc bén cho câu hỏi: ở thời đại hình ảnh thống trị, chúng ta có thể nào là "một" nữa hay không?
